La Fundación Louis Vuitton ofrece la primera retrospectiva del pintor Mark Rothko desde la que se vio en París en 1999. Nacido en 1903 en lo que hoy es Letonia, de nombre Marcus Rotkovitch, fue el cuarto hijo del farmacéutico de la ciudad, Yacov Rotkovitch, y su esposa Anna Goldin. Nace en la Europa de los progromos en el Imperio ruso, donde los judíos eran súbditos obligados a no salir de su zona de residencia.
Se fue a la edad de 10 años para reunirse con su padre y sus hermanos mayores en Estados Unidos. Llegó a Ellis Island a finales de 1913 con su madre y su hermana. En 1938, preocupado por el ascenso del nazismo en Europa, se convirtió en ciudadano estadounidense. En 1940 empezó a llamarse Mark Rothko, pero este cambio no se hizo oficial hasta 1959. “No tanto para ocultar sus orígenes, porque el nombre sigue siendo judío para los oídos estadounidenses, sino porque se había transformado en Rothkowitz, versión polaca con que no tenía nada que hacer”, cuenta su hijo Christopher Rothko, de 60 años, comisario de esta retrospectiva junto a Suzanne Pagé, directora artística de la Fundación Louis Vuitton.
Una retrospectiva inesperada
Su hijo Christopher quiere que “la obra de mi padre sea recibida directamente, sin pasar por la lectura biográfica”, tan trágica, desde el amenazador comienzo en el Imperio ruso hasta el solitario final (Rothko se suicida en su estudio el 25 de febrero de 1970). Y efectivamente, en la Fundación Louis Vuitton reina el silencio sobre este mundo de la pintura donde se han dejado de lado explicaciones y comentarios para dejar la experiencia al visitante.
Rothko está muy presente en las colecciones de arte americanas, pero muy poco en las francesas. De ahí que esta retrospectiva se viva como un gran acontecimiento. Los colores y las formas de Rothko vibran como acordes musicales. “Si las formas en sí nos parecen simples –hasta el punto de que a menudo vemos rectángulos o bandas–, los colores se desarrollan con una ciencia extraordinaria. El color, sin embargo, parece haberle importado menos que los acuerdos que se crean entre los tonos. Rothko tenía un profundo sentido de la música”, escribe Bernard Arnault, presidente de LVMH y de la Fundación Louis Vuitton, que celebrará su décimo aniversario el próximo año, en el Journal de la Fondation.
Una invitación a la contemplación
Europa ya ha visto exposiciones de Rothko, pero parciales. En 2008, la Tate Modern de Londres expuso sus míticos cuadros de Rothko, que el pintor ejecutó en 1958 para el Seagram Building de Nueva York pero que finalmente se negó a ver adornar el restaurante Four Seasons de Park Avenue (rompió el contrato de este encargo en 1960 y lo donó a la Tate en 1969, por admiración hacia Turner). En un crepúsculo muy estudiado, sus malvas, sus rosas, sus marrones, sus negros creaban una puntuación magnífica en las paredes, cada vez más presente a medida que la vista se detenía allí.
Con la misma delicadeza, la Fundación Louis Vuitton colgó estos gigantes muy bajos, dosificando la luz al mínimo para que todos estos matices se expresen, todas estas vibraciones cobran vida poco a poco, como por arte de magia. Los bancos, también muy bajos, dispuestos en rectángulo, invitan a detenerse como visitantes de la National Gallery de Washington frente a su deslumbrante Rothkos, de los años 80. Una clara invitación a la contemplación, a la pausa, a la lentitud y fragilidad del cada persona.
En 2019, el Kunstmuseum de Basilea presentó los años figurativos de Rothko, que revelaron su erudición, su descubrimiento de Miguel Ángel en la biblioteca Laurenciana, los frescos de Fra Angelico en Florencia, los templos grises de Paestum al sur de Salerno y el Baptisterio de De Torcello a Venecia. La Fundación Louis Vuitton es una de las primeras en ser redonda y diáfana estas “primeras obras figurativas, mitológicas y neosurrealistas”, a veces muecas y absurdas (Autorretrato, 1936, con gafas negras que le dan el aspecto de un espectro, Christopher Colección Rothko ).
Una idea muy bella, visualmente elocuente, que sienta las bases de un viaje realmente sorprendente, desde lo más figurativo hasta lo más abstracto. Los personajes monstruosos, híbridos, divididos y desmembrados, remiten a los pogromos de su infancia rusa, o incluso a la Shoah que está tomando forma en Europa. Este gran lector de Nietzsche y Esquilo trata sus escenas del metro, sus transeúntes de los años 30 maltratados por la crisis y sus frías calles de Nueva York con las reglas y héroes del repertorio mitológico clásico. El color emerge gradualmente de estas composiciones que a veces recuerdan los enigmas de Max Ernst o el caos colorido de Arshile Gorky, el superviviente armenio del genocidio de 1915, su contemporáneo y también pintor estadounidense.
“Del éxtasis a la tragedia”
La Fundación Louis Vuitton reúne en su cronología nada enfática, todo el camino de Mark Rothko, una larga búsqueda espiritual. Él «buscó expresar los fundamentos humanos fundamentales: la tragedia, la muerte, el éxtasis». Sólo se mantuvo el comienzo de su cita en rojo marrón en la pared del gran vestíbulo para dejar al público libre de expresar sus emociones, o incluso para evitar asustarlos.
Todas las frases del artista, brillante estudiante de Yale cuya biblioteca se revela aquí en su modestia erudita, están escritas en las paredes que abren cada época, desde las pinturas llamadas “clásicas” hasta la “Sala Rothko”. ” de la Colección Phillips, desde los cautivadores violáceos “Seagram Murals”, hasta los “Black and Grey” de los años 1969-1970 diseñados para la UNESCO, con el recuerdo de la pintura de Giacometti y el amor por su paleta de grises rosados, y que encuentran allí su espacio catedralicio.
Todas estas son claves para una lectura, más bien exigente y severa, de su obra. Saliendo de esta retrospectiva, tan secreta en su fórmula, tan agradable a la vista, queremos (re)leer el teatro griego, El idiota de Dostoievski, los cuentos de Tolstoi, como lo haría un músico con sus escalas. Incluso seguir los pasos de este gran pintor, desde Letonia hasta Portland (Oregón), desde su juventud americana, desde el Nueva York de su vida como artista hasta Texas donde creó su otra vida. “Esta conciencia infinita de ser mortal es el hilo conductor de su obra que le lleva del éxtasis a la tragedia, o todo lo contrario”, cuenta Suzanne Pagé, con la misma pasión, veinticuatro años después.
