La muestra Howard Greenberg Tambien nace de la colaboración entre Jorge Fernández y Natalie Rich, de la ibicenca Galería Tambien y la Howard Greenberg Gallery de Nueva York. El marchante esta- dounidense ha puesto a disposición del dúo de galeristas su fondo fotográfico, uno de los más importantes del mundo, para que ellos seleccionen cuidadosamente las imágenes que componen la mues- tra. Se trata de una exposición sin precedente en Baleares, pues reúne, en un único espacio, obras de los grandes fotógrafos del siglo pasado: Henri Cartier-Bresson, William Klein, Mary Ellen Mark o Wim Wenders, entre otros. Podrá visitarse del 12 de julio al 30 de septiembre en el espacio de la galería en Ibiza.
Natalie Rich y Jorge Fernández han seleccionado una amplia gama de fotografía documental del siglo XX, típica del programa de la galería de Howard Greenberg. Los artistas elegidos se encuentran entre los más reconocidos, populares e importantes de la historia, todos ellos pioneros de algún modo: en el uso del color, la exploración de los lazos que unen pintura o fotografía, en la mirada a los marginados de la sociedad o los encuadres improbables y arriesgados.
Las obras de Henri Cartier Bresson, Mark Citret, Bruce Davidson, Frank Gohlke, Harry Gruyaert, Charles Jones, William Klein, Saul Leiter, Mark Ellen Mark, Joel Meyerowitz, Aaron Siskind y Wim Wenders servirán para mostrar la unión entre las sensibilidades de la galería balear y la neoyorquina. Sin duda, esta será una exposición que marcará un hito para Ibiza, y supondrá un punto de partida para que la isla se fortalezca como destino importante de exposiciones fotográficas. Situada en un lugar privilegiado como es Santa Gertrudis, escogido por Rich y Fernán- dez por su carácter cosmopolita, la muestra se convertirá este verano en la meca para coleccionistas, curiosos, amantes del arte y fotógrafos en busca de referentes e inspiración.
Las temáticas, que se mueven entre lo estético y lo emocional, van de la nostalgia a la impertinencia, de la introspección al activismo, con gran protagonismo de la experimentación y el descubrimiento.
Al poner todas estas imágenes en relación en un mismo espacio pueden apreciarse nuevos lazos entre ellas, inspiraciones y ecos inesperados: El velo de la chica que posa en la calle para Mary Ellen Mark recuerda al de la modelo que fuma un cigarrillo en la instantánea de William Klein. Los solitarios escaparates capturados por Frank Gohlke casi parecen versiones en blanco y negro de las instantáneas del Oeste americano tomadas por Wim Wenders en su viaje de estudios para París, Texas.
Todas estas similitudes funcionan como hilo conductor a través del que recorrer la historia de la fotografía del siglo pasado, marcada en gran medida por el trabajo que Howard Greenberg lleva realizando toda su vida: el de subrayar el trabajo de los grandes nombres y los pioneros, al mismo tiempo que rescataba a otros fotógrafos del olvido. Ahora, todos esos artistas redescubiertos por él ocupan un puesto de honor en la historia de la fotografía.
Los protagonistas de las imágenes son personajes intrigantes, fasci- nantes y conmovedores, que pueden ser desenfadados o atrevidos, pero también tímidos, casi recelosos, en las imágenes más íntimas. En otras ocasiones, directamente, parecen ajenos a la cámara, como ocurre en las imágenes de Cartier-Bresson: parece que nadie sabe que está siendo fotografiado, como si el artista le hubiese robado ese instante al olvido.
Los escenarios son múltiples: íntimos, interiores o confidenciales, pero también abiertos, públicos o vastos. Incluso pueden estar a caballo en- tre ambos mundos, como revelan las fotografías de Joel Meyerowitz.
Así, la muestra nos invita a explorar la realidad, a reflexionar, a cuestionar nuestras percepciones, a imaginar otras narrativas, a sacar a la luz significados ocultos y sentimientos enterrados. Se trata, en definitiva, de una antología visual que nos incita a mirar el mundo de otra manera.
El resultado es un acercamiento a la belleza, la poesía y la singularidad que se encuentran en las cosas más pequeñas.
La artista parisina Natalie Rich y el español Jorge Fernández, vinculados al mundo de la producción musical, han cambiado sus ajetreadas vidas en París por una más tranquila en Ibiza. Consideran que la isla les hace mejores: más creativos, más activos y más entusiastas. Eligieron Santa Gertrudis, un lugar cosmopolita en el centro de la isla como centro de operaciones. Allí comenzaron su andadura como galeristas.
Galeria Tambien es su mayor proyecto, en el que han aunado su pasión por la creatividad y las artes con sus propias experiencias vitales. Tienen debilidad por las piezas raras, tanto de de artistas icónicos del siglo pa- sado como de jóvenes creadores con una mirada visionaria. La Galería Tambien, además de ser un espacio para mostrar las afinidades artísti- cas de Natalie Rich y Jorge Fernández, quiere convertirse en un punto de encuentro para ibicencos y viajeros, nativos o adoptados, seleccio- nando siempre obras con historias que merecen ser contadas.
Sobre Howard Greenberg Gallery
La Howard Greenberg Gallery ha reunido una vasta y siempre cambian- te colección, que actúa como una historia viva de la fotografía. Se encarga de gestionar y presentar un archivo de más de 40.000 copias.
Fotógrafo y fundador del Centro de Fotografía de Woodstock en 1977, Howard Greenberg ha formado parte de un pequeño grupo de galeristas, comisarios e historiadores responsables de la creación y el desarrollo del mercado moderno de la fotografía. La Galería Howard Greenber fundada en 1981 y conocida originalmente como Photofind fue la primera en exponer sistemáticamente fotoperiodismo y fotografía “callejera”, hoy aceptados como componentes importantes del arte fotográfico, en gran parte gracias a su labor.
Howard Greenberg ha desempeñado un papel fundamental en la historia de la fotografía. Contribuyó al reconocimiento de los artistas neoyorquinos de posguerra, de la New York School y de la Photo-League. Además, experto en encontrar obras abandonadas en desvanes y viejas viviendas, ha sido el encargado de descubrir y poner en valor a artistas que ahora consideramos leyendas de la fotografía, algunos de los cuales-como Joel Meyerowitz- forman parte de esta muestra.
Sobre los artistas Henri Cartier-Bresson
Cartier-Bresson (Chanteloup-en-Brie, Francia 1908-Montjustin, Francia 2004) estudió pintura en París y poco después entró en el mundo bo- hemio de la ciudad. En 1931 empezó a hacer fotografías de influencia cubista y surrealista. Estas obras tempranas ya expresaban su afinidad por los marginados de la sociedad, que se mantendría a lo largo de toda su carrera.
En 1947 fundó la agencia fotográfica Magnum con Robert Capa, David «Chim» Seymour y otros, y pasó los siguientes veinte años documentando los grandes cambios y convulsiones de la época. En 1970 abandonó la fotografía por completo, y dedicó el resto de su vida a la pintura y el dibujo.
Ganó importantes galardones como el Premio Nacional de Fotografía de Francia, el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad o la Beca Honoraria de la Photographic Society de Reino Unido. Sus obras se en- cuentran en las principales colecciones y los museos de fotografía más importantes a nivel mundial.
Mark Citret
Mark Citret (Buffalo, Nueva York 1949) empezó a fotografiar en 1968. Su obra es muy variada, sin enmarcarse en una temática o un lugar determinados. Sin embargo, sí hay elementos que se han encontrado muy presentes a lo largo de todo su recorrido, como ocurre con la naturaleza en todas sus variantes: desde los bosques al océano pasando por las dunas de arena.
Ha enseñado fotografía en la Universidad de Berkeley y en la de Santa Cruz, ambas en California, y para organizaciones como el Centro de Fotografía de Woodstock.
Su obra forma parte de importantes colecciones tanto públicas como privadas, entre las que destacan la del Art Institute de Chicago, el Mon- terey Museum of Art o la del Bank of America.
Bruce Davidson
Bruce Davidson (Oak Park, Illinois, 1933) es conocido por su dedicación a captar la desigualdad social. Davidson asistió a la Universidad de Yale, donde estudió con el fotógrafo Josef Albers.
Posteriormente fue llamado a filas y destinado cerca de París, donde co- noció a Henri Cartier-Bresson. Tras su servicio militar, Davidson trabajó como fotógrafo independiente para la revista Life y, en 1958, se convirtió en miembro de pleno derecho de Magnum. En 1962, recibió una beca Guggenheim y se dedicó a documentar el movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos. En 1963, el MOMA presentó sus primeras obras en una exposición individual. Actualmente vive en Nueva York y sigue haciendo fotografías. Su trabajo puede verse en algunos de los museos más importantes del mundo, como el MoMa de Nueva York, el parisino Centre Pompidou o el Art Institute de Chicago.
Frank Gohlke
Frank Gohlke (Wichita Falls, Texas, 1942) completó sus estudios de literatura inglesa en la Universidad de Yale, donde conoció al fotógrafo Walker Evans, y posteriormente estudió con el fotógrafo paisajista Paul Caponigro. Ha enseñado fotografía en la Universidad de Yale y el Massa- chusetts College of Art.
En 1975, fue incluido en la influyente exposición New Topographics: Photographs of a Manaltered Landscape, organizada por el Museo Inter- nacional de Fotografía de George Eastman House. Sus trabajos forman parte de las colecciones permanentes de prestigiosas instituciones públicas y privadas como la del MoMa o la del MET Museum.
Harry Gruyaert
Harry Gruyaert (Amberes, Bélgica, 1941) estudió fotografía y cine. Reali- zó algunas películas para la televisión flamenca antes de dedicarse a la fotografía en color en París a principios de los años sesenta. A principios de los setenta, cuando vivía en Londres, trabajó en una serie de imáge- nes de pantallas de televisión en color que más tarde se convertirían en sus famosas TV Shots. En esa misma época también fotografió su tierra natal y produjo dos libros, Made in Belgium y Roots. En 1982 se incorpo- ró a la agencia Magnum. Actualmente reside en París, y sus obras se encuentran en la colección de Hérmes, en la Bibliothéque Nationale de France, el Centre Pompidou o el Metropolitan Museum de Tokio.
Charles Jones
Charles Jones (Wolverhampton, Inglaterra, 1866-Lincolnshire, Inglaterra, 1959) es uno de los descubrimientos más recientes y misteriosos del mundo de la fotografía. Nacido en Inglaterra en 1866, fue un jardinero de formación que alcanzó el reconocimiento público por sus habilidades hortícolas.
Entre 1895 y 1910 experimentó con la fotografía y produjo una serie de impactantes impresiones de verduras, frutas y flores. Fotografiaba a sus sujetos aislados de la naturaleza, sobre fondos neutros. Su técnica no tenía precedentes en la época y prefiguraba las fotografías modernistas de décadas posteriores. Su obra fue desconocida hasta que la descubrió un coleccionista en un mercadillo de Londres. Charles Jones no dejó negativos, diarios ni documentos y murió casi recluido en 1959.
Sus retratos vegetales han sido expuestos, entre otros centros, en el Museo de Bellas Artes de San Francisco, la Dulwich Picture Gallery de Londres o el Museo del Elíseo de Lausana.
Nadav Kander
Nadav Kander (Tel Aviv, Isreal, 1961) es un fotógrafo, artista y director conocido por sus retratos y fotografías de paisajes de gran formato. Na- ció en Israel, creció en Johannesburgo y se trasladó a Londres en 1982 para iniciar su carrera en serio. Entre sus proyectos anteriores destacan God’s Country, Signs we exist, Pause… Su serie en curso, Dark Line – The Thames Estuary, es una reflexión personal sobre el paisaje del río Táme- sis en su punto de conexión con el mar, a través de imágenes amosfé- ricas de sus aguas oscuras de movimiento lento y horizontes aparente- mente infinitos.
Sus composiciones, a partir de una situación tranquila, crean por el con- trario inquietud y rabia al mismo tiempo.
Ha expuesto su obras en galerías de Londres, Berlín, Nueva York… además de dar numerosas charlas sobre su trabajo y contar con varios fotolibros.
William Klein
William Klein (Nueva York, 1928-París, 2022) ganó su primera cámara en una partida de póquer, mientras estaba destinado como soldado esta- dounidense en Alemania.
Tras trasladarse a París en 1948 acudió a la Sorbona. En un primer mo- mento, su interés se centraba en la pintura abstracta y la escultura. Sin embargo, Klein acabaría llevando la fotografía de moda en una dirección totalmente nueva: capturó lo bello y lo grotesco por igual. Sacaba a las modelos del estudio y las llevaba a la calle. Sus imágenes brutalmente honestas causaron sensación. Posteriormente comenzó a explorar la imagen en movimiento, creando películas y documentales. Ha obtenido numerosos premios, y su obra se ha mostrado en institu- ciones de la talla de la Tate Modern de Londres, el Fotografiemuseum Amsterdam o el Museo Reina Sofía.
Mary Ellen MARK
Mary Ellen Mark (Elkins Park, Pennsylvania 1940-Nueva York, 2015) es una de las fotógrafas documentales más destacadas del último medio siglo, y ha alcanzado visibilidad mundial gracias a sus numerosas expo- siciones, libros, ensayos fotográficos y retratos.
Sus trabajos sobre niños fugados de Seattle, circos y burdeles en la In- dia, mujeres católicas y protestantes en Irlanda del Norte y pacientes del pabellón de máxima seguridad del Hospital Mental del Estado de Ore- gón muestran formas originales y perspicaces de examinar cada tema. Sus fotografías son compasivas y objetivas.
Ha protagonizado exposiciones en el Museo de Fotografía Contemporá- nea de Chicago, el Museo de Arte de Filadelfia o el Museo Nacional de Mujeres en las Artes de Washington D.C, y ha sido premiada con galar- dones como el Lucie Award de fotografía documental.
Joel Meyerowitz
Joel Meyerowitz (Nueva York, 1938) forjó una educación «callejera» en su Bronx natal que alimentó su interés por la observación humana, el núcleo de su obra fotográfica.
Trabajó como director artístico en publicidad, hasta que vio trabajar al fotógrafo Robert Frank y descubrió que se podían tomar instantáneas mientras el fotógrafo y el sujeto estaban en movimiento. El poder de esta observación hizo que Meyerowitz dejara inmediatamente su trabajo, pidiera prestada una cámara y saliera a las calles de Nueva York.
Meyerowitz fue uno de los pioneros del color, que pasó de la resistencia a una aceptación casi universal. Fue el único fotógrafo que consiguió ac- ceso ilimitado a la Zona Cero tras el 11-S, lo que dio lugar a una serie de obras que representaron a Estados Unidos en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2002. Además, también ha mostrado su obra en el MoMa, en el Brooklyn Museum de Nueva York o el Nederlands Fotomuseum de Rotterdam.
Aaron Siskind
Aaron Siskind (Nueva York, 1903-Providence, Rhode Island 1990) fue un fotógrafo cuya obra se centra en los detalles, presentados como superficies planas para crear una nueva imagen independiente del sujeto original, creando nuevas composiciones a través de muros desconchados y paredes sucias.
Siskind fue profesor de inglés de secundaria durante 21 años. Se inte- resó por la fotografía tras su boda en 1929, al recibir su primera cámara como regalo.
Comenzó su carrera fotográfica como documentalista en la New York Photo League. Creó ensayos fotográficos documentales de importancia política, impulsados por un deseo de cambio social. Fue el único fotó- grafo incluido en la histórica muestra Ninth Street Show (1951), comi- sariada por Leo Castelli, que definió el expresionismo abstracto como movimiento artístico. Además, ha mostrado su obra en el MoMa, el Cleveland Museum of Art, el Center for Creative Photography de Tucson y el Madison Art Center de Madison, Wisconsin.
Wim Wenders
Wim Wenders (Düsseldorf, Alemania, 1945) es director, productor, fotógrafo y escritor. Además de largometrajes multipremiados, como París, Texas (1984) y Las alas del deseo (1987), también ha creado varios documentales innovadores, como PINA (2011), Buena Vista Social Club (1999) y La sal de la tierra (2014). La fotografía ha sido una parte intrín- seca de su producción artística desde el principio, con su serie seminal Written in the West que nació durante los preparativos de su película París, Texas.
Ha expuesto sus obras en el Deichtorhalle de Hamburgo, el Guggenheim de Bilbao o el Centre Pompidou de París, entre otros.
Saul Leiter
Saul Leiter (Pittsburgh, Pennsylvania 1923-Nueva York, 2013) se trasladó de joven a Nueva York para dedicarse a la pintura. Allí amplió su interés por la fotografía. Su distintivo color tenue tiene a menudo una calidad pictórica que destaca entre la obra de sus contemporáneos. A finales de la década de 1950, se publicaron sus trabajos de moda en color en Esquire y Harper’s Bazaar. La obra de Leiter experimentó un aumento de popularidad tras varias exposiciones en la Galería Howard Greenberg a lo largo de la década de 1990 y con la publicación de una monografía en 2006. Ahora, es considerado un pionero de la fotografía en color y una de las figuras más destacadas de la fotografía de posguerra. Sus obras pertenecen a colecciones como la del Whitney Museum de Nueva York, el Rijksmuseum de Amsterdam o la Maison Européenne de la Photographie, entre otras.
