Marisol sigue siendo quizás la artista pop más desconocida. Nació como María Sol Escobar en París en 1930 en una familia que pertenecía a una élite venezolana de vida itinerante. Alrededor de 1935, regresaron a casa y Marisol pasó sus primeros años viajando entre los EE. UU. y Caracas. Dibujaba continuamente, como recordaba en los años 60: «siempre me gustó el arte antes de pensar que era arte. Siempre estaba dibujando, desde que tengo memoria». El apodo se lo puso su madre: Marisol. En 1941, su madre se suicidó y Marisol dejó de hablar. Más tarde diría: «No quería sonar como lo hacían otras personas. Realmente no hablé durante años, excepto lo que era absolutamente necesario en la escuela y en la calle. Tenía más de 20 años cuando comencé a hablar de nuevo «. Durante este tiempo, asistió a la escuela primaria en Caracas y luego a la escuela secundaria en Los Ángeles, donde tomó clases de arte por la noche. El AKG Art Museum de Buffalo ha organizado la primera gran retrospectiva de la escultora venezolana.
En 1951, después de un año en París, se mudó a Nueva York, donde continuó estudiando, con Hans Hofmann, entre otros. A diferencia de muchos de sus compañeros artistas, pudo, debido a la relativa riqueza de su familia, dedicarse al arte desde una edad temprana. Pasó un tiempo con el círculo de pintores expresionistas abstractos en Cedar Tavern, pero también se unió a un grupo de amigos beatniks más salvajes en la década de 1950. «Yo era una bohemia», describiría más tarde. «Estuve drogada durante unos cuatro años. Frecuentaba a un grupo en el Village que solía consumir drogas. Fue una época muy amistosa para mí. Vivíamos juntos». Su primera escultura mencionada en la prensa se mostró en una exposición colectiva en una galería de Nueva York en 1954.
Sus primeras obras datan de la segunda mitad de los años cincuenta, un período de experimentación dramática para Marisol. Incluyen ensayos con relieves de madera, yeso y piedra. Hizo terracotas abstractas y esculturas de bronce pobladas de figuras que caen y que, según ella, recibieron la influencia de Auguste Rodin y su Puertas del infierno. Al mismo tiempo, comenzó a trabajar en un pequeño grupo de relieves y otros objetos que constituyen sus primeras esculturas en madera. Muchas obras de finales de los años cincuenta representan grupos familiares con problemas, y los dibujos en particular están plagados de referencias a la ciencia ficción. Estas primeras obras se incluyeron en algunas exposiciones colectivas y llamaron la atención de Leo Castelli, quien en 1957 la incluyó en una muestra en su galería con Jasper Johns y Robert Rauschenberg.
De Nueva York a Roma
Sin previo aviso, Marisol dejó Nueva York para trasladarse a Roma en el verano de 1958, a donde llegó en agosto. “Me asusté tanto después de mi primera exposición que me fui a Europa y desaparecí”, diría más tarde. “Empiezas a se conocida y, de repente, pierdes todo lo que tienes”. Pero este fue solo el primero de muchos viajes prolongados al extranjero que Marisol haría después de sentirse abrumada por el mundo del arte de Nueva York.
Después de más de un año en Italia, alejada del mundo del arte de Nueva York, Marisol regresó en 1960 con un nuevo enfoque. Ese verano, encontró una bolsa de viejos moldes de sombreros y comenzó a alterarlos agregando ojos de vidrio y moldes de yeso de (casi exclusivamente) partes de su propio cuerpo. Pronto, hizo ensamblajes más grandes y luego de tamaño natural, a menudo incluyendo moldes de su propio rostro y manos, y comenzó a incorporar dibujos en madera junto con tallados. Esta combinación de superficies escultóricas dibujadas y talladas, moldes corporales, madera y objetos encontrados en las calles de Nueva York era absolutamente única y fácilmente reconocible en un campo emergente de artistas que experimentaban con la serigrafía y la escultura minimalista. Estas obras constituyeron su exposición de 1962 en la Stable Gallery de Nueva York.
A principios de la década de 1960, después de una década celebrando el romanticismo de los pintores expresionistas abstractos, los críticos elogiaron a una artista que abordaba el retrato a través de una lente satírica y cuyos autorretratos, que podían ser tanto fragmentarios como multiplicados, transformaron el género. Marisol se convirtió rápidamente en una celebridad, y miles de personas hicieron cola para ver sus exposiciones en 1962, 1964 y 1967. Si bien es más conocida por sus temas de la cultura pop de este período, incluidas representaciones de íconos como la familia Kennedy, Andy Warhol y John Wayne, sus esculturas más incisivas de la década de 1960 abordaron los roles de la mujer en la sociedad, las normas de género y sexualidad a mediados de siglo, la identidad propia, la política de la Guerra Fría y la experiencia de los inmigrantes.
Para Irving Sandler, las «parodias hilarantes y cáusticas» de Marisol en su exitosa exposición individual en una galería de Nueva York de 1962 la convirtieron en «una de las muestras más notables de esta temporada». Ese año, la revista Life la incluyó en su lista de las «Cien al rojo vivo», y las imágenes de la obra de Marisol, reproducidas en Time y en otros lugares de la prensa popular, extendieron su reputación mucho más allá del mundo del arte. A finales de los años 60, según un crítico, “se había escrito más sobre ella que sobre cualquier artista vivo en revistas femeninas y de arte”. En estas obras, su rostro o partes del cuerpo estaban por todas partes. Hablando de estos elementos de autorretrato en sus obras de este período, Marisol señaló: “A veces siento como si me volaran. La gente dice que se pellizca para ver si está despierta. Esto los devuelve a la realidad. Cuando hago un retrato, pero en realidad me hago a mí misma en el retrato, o uso mis propias manos o zapatos, me devuelve a la realidad”.
Máscaras y trucos
En 1961 participó en un debate en el Artist’s Club, un escenario clave y lugar de reunión para la Escuela de Pintores de Nueva York, Marisol estaba sentada junto a tres artistas masculinos. Llevaba una máscara que cubría completamente su rostro y se negaba a hablar, una crítica directa al silenciamiento de las mujeres dentro del club. El artista de Fluxus Al Hansen contó más tarde que el público comenzó a corear y a exigir que le quitaran la máscara: “Cuando el ruido se hizo ensordecedor, Marisol desató las cuerdas. La máscara se deslizó para revelar su rostro, maquillado exactamente igual. ¡Qué truco! Es algo que sólo a ella se le ocurriría y que hizo temblar el público”.
Marisol fue elogiada como la artista emergente de su generación y la “primera artista femenina con glamour” por Andy Warhol por su sentido de la moda y la “Garbo latina” por su aparente exotismo y sus famosos silencios. A pesar de esto, y del hecho de que su nombre era inseparable de las tendencias del arte pop en la prensa popular y el ojo público, los críticos de arte tendían a excluirla de la mayoría de las conversaciones sobre el movimiento emergente. A lo largo de los años cruciales para la definición crítica del pop en la década de 1960, el énfasis en la feminidad de Marisol, sus objetos hechos a mano y su humor se utilizaron para separarla de las críticas al canon de artistas pop que invariablemente eran hombres blancos. De hecho, su obra fue utilizada por varios críticos como un recurso para ayudarles a diferenciar entre lo que era el pop (producido en masa, comercial, inexpresivo e implícitamente masculino) y lo que no era (Marisol).
En 1968, Marisol representó a Venezuela en la Bienal de Venecia y fue una de las cuatro únicas mujeres entre los 149 artistas seleccionados para la exposición Documenta de ese año en Kassel, Alemania. Cada vez estaba más frustrada por la brutal respuesta policial a las protestas contra la guerra de Vietnam en los Estados Unidos y, a pesar de su éxito, pasó gran parte de la segunda mitad de 1968 viajando por la India, Nepal, Camboya, Sri Lanka y Tailandia. En 1969, dedicó meses a aprender a bucear en Tahití. Su escultura se transformó en gran medida como resultado de estas experiencias.
En 1973, Marisol estrenó el resultado de su compromiso con la vida marina en una exposición individual en Sidney Janis. Como le dijo más tarde a un entrevistador: «Siempre he tenido una comunicación especial con el mundo de los animales. Ojalá los humanos fuéramos así». En estas nuevas obras, exploró la interdependencia entre humanos y animales, así como las conexiones entre el complejo militar-industrial estadounidense y la vida en los océanos. Entre ellas se encuentran el quimérico Fishman, su icónico híbrido humano-pez, y sus esculturas de barracudas y peces aguja, que relacionó con misiles y otras formas modernas de armamento. En un cuaderno de la década de 1970, escribió sobre su amor por el buceo, pero también sobre su profunda consternación por los rápidos cambios que afectan al ecosistema, una preocupación que se desencadenó “tal vez al ver morir el mar de Cozumel que me dio tanta vida”, incluido el daño significativo a los arrecifes de coral que tanto la habían inspirado. Su tristeza por esto fue una de las razones por las que finalmente dejó de bucear por completo. En 1973, cuando Cindy Nemser comentó lo diferentes que eran estas obras de las esculturas que la habían hecho famosa, Marisol sostuvo que después de sus viajes y su tiempo bajo el agua, “ya no trabajo para el público en general… perdí el interés”.
En 1975, Marisol estrenó nuevos moldes de rostros y dibujos a gran escala, a menudo provocadores de ansiedad, que resonaban con muchos temas que se debatían dentro del movimiento feminista, incluidos el género y el erotismo, el embarazo, la cosificación de los cuerpos de las mujeres y la violencia interpersonal. (Marisol, M. Marisol, 1975). Sus dibujos a menudo presentaban calcos corporales, así como fragmentos de texto extraídos de confesiones personales y conversaciones escuchadas por casualidad. Sus esculturas para colgar en la pared presentan moldes de rostros colgados con botellas de Coca-Cola, latas de cerveza y otros objetos cuyas huellas se pueden leer en los rostros de arriba. Muchas de estas obras, a menudo inquietantes, implican que los humanos son contenedores porosos de identidades fragmentarias y cambiantes, en lugar de fijas y resueltas. A finales de los años 70 se embarcó en una nueva serie, esta vez retratando a figuras creativas en la última etapa de su vida, como Marcel Duchamp, Martha Graham, William Burroughs, Georgia O’Keeffe y Virgil Thompson, que desempeñaron un papel importante en su propio desarrollo como artista. La mayoría de las obras se basaban en las propias fotografías que Marisol tomaba de los sujetos y el tiempo que pasaba con ellos. Fue también en ese momento cuando empezó a crear más monumentos públicos que representaban a figuras históricas, incluidos muchos de lugares de Venezuela.
El último gran trabajo de Marisol, que la ocupó desde los años 80 hasta su muerte, intentó seriamente arrojar luz sobre la privación de derechos en la era poscolonial. Algunas obras se centran en personas de antiguas colonias que sufrían de escasez de recursos, como India, Bangladesh y Cuba. En su última década, experimentó pérdida de memoria y le diagnosticaron Alzheimer.
El Museo de Arte AKG de Buffalo (en aquel entonces llamado Galería de Arte Albright-Knox) fue el primer museo en comprar la obra de Marisol, The Generals (1961-2), en 1962. La escultura representa a dos figuras a caballo, George Washington y Simón Bolívar, los “padres fundadores” de Estados Unidos y Venezuela, en una visión profundamente satírica de la interdependencia de Estados Unidos y América Latina en el apogeo de la Guerra Fría en los años que rodearon la invasión de Bahía de Cochinos (abril de 1961) y la Crisis de los Misiles de Cuba (octubre de 1962).
Buffalo compró otra obra, Baby Girl (1963), de su siguiente exposición en la galería. Tanto Los generales como este monstruoso infante de tres metros de altura estuvieron regularmente en exposición en Buffalo a lo largo de las décadas. Pero aun así fue una sorpresa cuando, años antes de su muerte, Marisol decidió legar la totalidad de su patrimonio al museo, incluidas aproximadamente 50 esculturas, al menos 500 obras en papel y miles de fotografías y diapositivas, así como sus papeles, sus derechos de autor y su estudio.
