Somaya Critchlow es una artista femenina que representa a las mujeres y toda la dinámica de sus cuerpos, mentes y energías. Piensa en labios carnosos, grandes rizos y hermosas curvas. Nunca muestra a una mujer demasiado cuidada o perfecta, sus pinturas y dibujos son reales. Ahora expone en la galería Maximilian William de Londres sus figuras desnudas delicadamente representadas sobre papel, que desafian los enfoques dominantes de la sensualidad, la individualidad y la representación de los negros.
“Los hombres miran a las mujeres”, escribió John Berger en Ways of Seeing (1972). “Las mujeres se ven a sí mismas siendo observadas”. A través de representaciones audaces e inquebrantables del desnudo femenino, la artista británica Somaya Critchlow busca romper con la dinámica de poder que durante mucho tiempo ha dado forma a la representación y percepción de las mujeres tanto en el arte como en la vida. Cada una de las pinturas de Critchlow representa a una mujer desnuda solitaria contra el fondo de una escena doméstica, a menudo sosteniendo un objeto o realizando una acción que parece a la vez mundana y simbólica. Los desnudos de Critchlow no son sujetos pasivos, sino figuras que interrogan el acto mismo de mirar; Son conscientes de sí mismos y asertivos, y se ubican dentro de narrativas que confrontan, desafían y complican nociones reductivas de la feminidad, la individualidad y la representación de los negros.
Triple Threat, la muestra individual de Critchlow curada por Hilton Als en Maximillian William, que comprende más de cuarenta obras recientes en papel, es la primera exposición de la artista que se centra exclusivamente en el dibujo. Delicadamente realizados en lápiz de grafito, pincel con tinta o pluma de inmersión en vidrio, los dibujos muestran la inmediatez y la espontaneidad de un cuaderno de bocetos. Sin embargo, con una atención más cuidadosa, cada uno revela una narrativa cuidadosamente elaborada, donde cada línea, gesto y símbolo está imbuido de significado y trascendencia.
La fascinación de Critchlow por el desnudo femenino la ubica dentro de una tradición artística de larga data, pero su enfoque es distinto e inequívocamente contemporáneo, marcado por un cambio de perspectiva y poder. A menudo utiliza su propio cuerpo como referencia para sus sujetos, recuperando su autonomía en un género históricamente moldeado por la mirada masculina al posicionarse como una figura autónoma que dirige cómo se retrata su cuerpo.
Aunque sensuales, sus desnudos se niegan a ser erotizados en el sentido tradicional. Como señala Berger en Ways of Seeing, el espectador está acostumbrado a que se le presente una mujer, a menudo lánguida y desnuda como símbolo de su sumisión, que mira pasivamente a un voyeur masculino anónimo que sabe que la está observando y al que se esfuerza por atraer. Los sujetos de Critchlow subvierten esta tendencia, sus proporciones exageradas alteran los ideales tradicionales de feminidad, belleza y vulnerabilidad. A menudo confrontan al espectador directamente, desafiando la mirada que busca definirlos y controlarlos. Con su forma inusualmente desvergonzada de intimidad, las figuras de Critchlow no buscan la compasión, el deseo sexual o la admiración del espectador, sino que exigen el reconocimiento de las complejidades de ser visto.
Los motivos recurrentes de velos de novia, medias y compañeros animales sugieren una exploración de los roles sociales tradicionalmente asociados con la feminidad, aunque estos símbolos no se presentan en su sentido tradicional; Separadas de su contexto y asociaciones familiares, se ven subvertidas y socavadas. En Study for The Bride (2024), la figura femenina sostiene su velo en alto con una pose precaria, casi contorsionada. El velo, un símbolo cargado de pureza, tradición y expectativa social, se convierte en una metáfora de la tensión entre las expectativas sociales y la autonomía individual. La vulnerabilidad de la figura es palpable, pero está atenuada por una fuerza silenciosa y resistente: un desafío subyacente a estar completamente confinada por el peso simbólico del velo. En Study of a Bride (2024), el acto de quitarse una media, un gesto a menudo codificado como erótico, se convierte en una declaración de agencia y desafío. Las figuras pueden estar expuestas, pero nunca son verdaderamente vulnerables de una manera que disminuya su fuerza: dentro de su esfera privada, realizando sus actos más íntimos, mantienen el control de su exposición y, al hacerlo, afirman su subjetividad y autonomía.
Los dibujos de Critchlow plantean la pregunta de si el cuerpo desnudo puede existir alguna vez como un espacio desprovisto de significado e interpretación. Esta interrogación es más evidente en el dibujo Wicked Woman (2024), en el que Critchlow reinventa la crítica de Francisco Goya a la hipocresía y la decadencia moral. Wicked Woman destaca cómo el cuerpo femenino, especialmente los cuerpos negros y morenos, sigue siendo vigilado y mercantilizado bajo la apariencia del juicio moral. La crítica de Critchlow no es una imitación directa de Goya, sino una reinvención audaz arraigada en la cultura contemporánea. Combina referencias históricas con el lenguaje visual del porno suave vintage, programas de telerrealidad como Love & Hip Hop y la provocativa fotografía privada de Carlo Mollino. Esta fusión de influencias crea una colisión convincente y ecléctica de alta y baja cultura, intensificando su exploración de la feminidad y la sensualidad modernas.
Al situarse dentro de un linaje que incluye a Goya y Hogarth, Critchlow no solo critica la mirada de la sociedad sobre el desnudo femenino, sino que también reflexiona sobre su propio papel en el proceso artístico. Navega por las tensiones inherentes a la representación del cuerpo femenino, reconociéndolo como un lugar de empoderamiento y un tema de escrutinio. El compromiso de Critchlow con el canon histórico del arte va más allá de la mera referencia; sus reproducciones diarias de Los caprichos (1797-1798) y Los desastres de la guerra (1810-1820) de Goya sirven tanto como homenaje como una crítica casi performativa. Estas obras fundamentan su exploración de la crueldad, el poder y la ambigüedad moral en un contexto histórico, pero están lejos de ser estáticas. Al reactivar estas piezas a través de una lente contemporánea, Critchlow nos obliga a enfrentar la inquietante realidad de que la relación de la sociedad con el cuerpo, el poder y la representación ha cambiado poco con el tiempo.
El trabajo de Critchlow confronta las formas en que la representación moldea nuestra comprensión del poder, la identidad y la resistencia. Triple Threat se convierte así en un diálogo entre artista y público, pasado y presente, cuerpo y yo. A través de su compromiso con el canon histórico del artey la cultura contemporánea, Critchlow reivindica el desnudo como lugar de significado, acción y oposición. Al hacerlo, ofrece una meditación sobre lo que significa existir -y ser visto- en el mundo actual.
