Un nuevo libro investiga la influencia que ha tenido en la obra del pintor Frank Bowling la vida entre Londres y Nueva York. Durante la mayor parte de su vida adulta, los polos gemelos de la existencia del pintor fueron Londres y Nueva York. Nacido en Guyana en 1934, Bowling se mudó a Londres en 1953, y visitó Nueva York por primera vez en 1961, con una beca de viaje mientras estudiaba en el Royal College of Art.
En casa y extranjero
El pintor se mudó a la gran manzana en 1966 e, incluso después de regresar a Londres, Bowling continuó atravesando el Atlántico, pasando la primavera y el otoño en su estudio de East River en Brooklyn, y el verano y el invierno a orillas del Támesis. Este nuevo libro, Frank Bowling: Londres / Nueva York, coincide una exposición dividida entre los dos frentes de Hauser & Wirth en ambas ciudades, y se propone explorar el tira y afloja ejercido sobre un artista que vive entre dos lugares, siempre en casa y siempre extranjero.
Lo que Bowling encontró en la década de 1960 en Nueva York fue la reinvención total del espacio pictórico. Para un artista, que todavía estaba jugando con la figuración fue transformador. Como relata el curador Mark Godfrey en su ensayo de apertura del libro, Bowling se deleitaba en el Museo de Arte Moderno la mayoría de los días, y su propio trabajo absorbía los ejemplos licuados del expresionista abstracto y los pintores de campo de color que descubrió allí. Godfrey selecciona a Jackson Pollock como la influencia clave aquí, pero uno no puede evitar pensar, al mirar estas obras ingrávidas e incorpóreas con sus luminosas extensiones de color, que fue realmente Helen Frankenthaler quien le mostró el camino.
Series y desviaciones
Pero tan importantes como los métodos que aprendió Bowling fueron las desviaciones que hizo de estos famosos precursores, sus propios experimentos con la pintura arraigados en la abstracción y, sin embargo, también embriagadoramente de este mundo. Las más significativas fueron sus Pinturas de mapas, quizás su serie más conocida hasta la fecha.
En Texas Louise, 1971, un gran lavado de nectarina, rosa y marrón oscuro está marcado por un mapa estampado, una masa terrestre fantasma, en sí misma una abstracción de un continente rebosante, flotando en medio de una bruma sofocante. “Los bolos usaban colores líquidos para disolver la autoridad fija de la cartografía”, escribe Godfrey sobre esta y otras pinturas de mapas, la noción de fronteras y nacionalidad convertida en discutible por sus lienzos cambiantes y relucientes.
Bowling, pronto comenzó a sentirse estos trabajos de mapas espectrales sueltos, demasiado formulados, y siguió adelante de nuevo, abrazando el azar y el potencial rebelde latente en los principios líquidos de su trabajo. Aunque estaba profundamente comprometido con la cuestión de la estética negra, habitualmente rechazaba cualquier categorización que pudiera encasillarlo como un «artista negro», y evitaba los comentarios políticos explícitos. Prefirió siempre estrategias más alusivas con las que registrar su lugar en la historia.
Avance modernista
Verter pintura y rociar sus lienzos le permitió crear efectos que estaban libres de resultados predeterminados, y desde la década de 1980 incrustó objetos en la superficies de sus cuadros. Introdujo una capa adicional de ingenio que recuerda, como señala Godfrey, la belleza errática del fondo del océano.
En la segunda sección del libro, se transcribe una conversación entre Bowling, su compañera, la artista Rachel Scott, y su hijo Ben, partiendo de Nueva York brevemente y siguiendo hasta 1984, cuando Bowling y Scott pasaron un tiempo en Skowhegan, Maine, que fue durante un tiempo su residencia. Aquí, en el bosque, y animado por el apoyo brindado a su trabajo, el pintor comenzó a experimentar, introduciendo elementos naturales en sus composiciones. “Skowhegan me dio licencia para agregar material a las obras”, recuerda. «Una especie de avance modernista … en competencia con lo que estaba sucediendo en Nueva York».
Esta ruptura con el invernadero artístico de la ciudad permitió que el Bowling “constitucionalmente competitivo” (sus palabras) engrosara las superficies de sus pinturas. Es una característica que define su trabajo de los años 80, geles densamente estratificados, purpurina y detritos diversos para hacer plural el plano singular del lienzo.
Este método de creación dio lugar a nuevas innovaciones, las superficies pesadas a veces necesitaban cortarse en tiras y pegarse sobre el respaldo, reiniciando el proceso de composición por completo. Hay una inquietud en ello, un arte ideado “sobre la marcha”, como Bowling describe su existencia transatlántica, negándose a ubicarlo fácilmente o con una legibilidad sencilla.
La oscuridad, en ese sentido, ha definido el arte de Bowling en más de un sentido. Solo ahora, acercándose a los 90 años, sus experimentos están recibiendo el compromiso crítico sostenido que vio entregado a sus compañeros hace décadas. Este libro, un volumen delgado y fascinante que abarca el amplio alcance de su esfera artística, tiene en cuenta este hecho agridulce de que, a medida que el mundo del artista anciano se encoge, por fin es visto globalmente.
Bowling afirma que «Eso no es algo de lo que preocuparse«. Su momento es ahora, o quizás siempre lo ha sido. “El médico me dice que tres horas en el estudio a mi edad es el día; podría hacer el doble, por supuesto, porque soy así”, comenta, todavía en gran medida el artista que solo necesita responder a sí mismo. » que la gente ambiciosa sea ambiciosa, ¿no?»
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