De Cézanne en la Provenza a Fra Angelico en la Toscana, les presentamos nueve exposiciones que serán las grandes muestras del arte en Europa en este 2025. Algunas, como la de Suzanne Valadon, se han podido ver antes en España. La muestra de esta pintora que fue primero modelo de los grandes impresionistas se pudo ver en Barcelona el año ya pasado. Este recorrido nos trae grandes exposiciones de pintores clásicos y otros rabiosamente modernos como Leigh Bowery. Su vita brevis fue intensa, y la Tate Modern se rinde ante su personalidad polifacética
Leigh Bowery Tate Modern, Londres
Es la primera exposición a gran escala que presenta la producción multidisciplinaria que fue obra y vida demasiado corta del chico de los suburbios de Sunshine, Australia, que eclipsó la colorida escena de clubes londinense de los años 80. Bowery es más conocido por sus fabulosos disfraces extravagantes: ojos saltones de gran tamaño y sonrisas pintadas, pelucas de púas infladas, máscaras deslumbrantes, bustiers barrocos, plataformas altísimas, PVC, artículos de bondage, tul, plumas… Lo que sea, él lo usó.
Este atuendo vanguardista, que lució en los locales más chic y pervertidos de Londres (incluido el famoso club polisexual Taboo, donde se relacionó con Boy George, John Galliano y George Michael, ha influido en innumerables desfiles de alta costura desde que Bowery murió de una enfermedad relacionada con el sida en 1994, a los 33 años. Pero Bowery era un polímata brillante, cuyo trabajo incluía performance, arte en vivo, danza, música, modelaje, televisión y promoción en clubes. Su personalidad más grande que la vida no conocía límites; el arte y la vida eran una sola y misma cosa. El espectáculo de la Tate Modern considerará todas estas facetas juntas y promete un hermoso y salvaje recorrido por la obra ecléctica y rompedora de Bowery.
Suzanne Valadon. Centro Pompidou, París
Antes de sorprender al público parisino de principios del siglo XX como la primera artista europea en presentar un desnudo masculino de cuerpo entero, Suzanne Valadon atendía mesas, confeccionaba coronas funerarias, vendía verduras y volaba por los aires como acróbata de circo. Una caída acabó con su carrera de trapecista cuando tenía apenas 15 años, lo que la llevó a los estudios de los artistas más prolíficos de Montmartre, donde encontró empleo como modelo para luminarias impresionistas como Edgar Degas, Berthe Morisot, Pierre-Auguste Renoir, Henri de Toulouse-Lautrec y más.
Fue Degas quien animó a Valadon a coger un pincel y pasar al otro lado del lienzo, y Toulouse-Lautrec quien la apodó Suzanne (nació como Marie-Clémentine) en honor a la doncella bíblica que se bañaba y que era famosa por ser objeto de miradas lascivas de los ancianos. Valadon se apropió del nombre y se convirtió en autora, en lugar de protagonista, de cientos de retratos sorprendentes. Los más notables son sus mujeres: dueñas de sí mismas y en reposo despreocupado, sin idealizarse y sin que les moleste que las contemplen. El Centro Pompidou está organizando una vasta retrospectiva (del 15 de enero al 26 de mayo), que incluye nuevo material de archivo que pinta un retrato de la valiente y pionera vida personal de Valadon.
Anselm Kiefer. Museos Stedelijk y Van Gogh, Ámsterdam
“Sag mir wo di Blumen sind” es el título poético de una extensa exposición de Anselm Kiefer que abarcará dos de las instituciones más prestigiosas de Ámsterdam: el Museo Stedelijk y el Museo Van Gogh (del 7 de marzo al 9 de junio). La muestra toma su título de la versión alemana de la balada folk antibélica de Pete Seeger, “Where Have All the Flowers Gone?” (¿Dónde se han ido todas las flores?), popularizada por Marlene Dietrich en una gala de UNICEF en 1962, y presenta obras antiguas y nuevas de Kiefer, cuya obra aborda la memoria, las ruinas, la historia, la guerra, la mitología y el paisaje.
Una nueva instalación de 24 metros de largo con el mismo nombre ocupará la gran escalera del Stedelijk, mientras que sus galerías presentan obras nuevas e inéditas de Kiefer de la impresionante colección del museo junto con otros aspectos destacados de la carrera de 60 años del artista. A dos minutos a pie, el Museo Van Gogh se centrará en la relación de Kiefer con la vida y el arte del pintor holandés Van Gogh, yuxtaponiendo obras de ambos, incluidas sus numerosas ofrendas florecientes: girasoles y más girasoles, que representan la vida y la muerte, la prosperidad y la decadencia, con el arte como el puente eterno entre ambos.
‘El ángel de la historia’ Paul Klee. Museo Bode, Berlín
El artista suizo Paul Klee pintó muchos ángeles a lo largo de su vida. Ángeles ascendiendo, ángeles descendiendo, ángeles sirviendo el desayuno; llorosos, olvidadizos, vigilantes, dubitativos, llenos de esperanza. Su obra más famosa es el “Angelus Novus” (1920), ahora conocido comúnmente como el “Ángel de la historia”, un nombre que le asignó el filósofo Walter Benjamin, que poseía la impresión única y lja consideraba su posesión más preciada. Benjamin escribió sobre el ángel —un serafín de pelo rizado en tonos sepia, con los brazos levantados en señal de excitación o alarma— que se enfrenta al pasado mientras se ve impulsado hacia el futuro por una tormenta demasiado fuerte para que sus alas puedan batirla: la tormenta del progreso.
Klee y Benjamin murieron en 1940: Klee, apátrida y con esclerodermia, una enfermedad autoinmune poco común, dibujó ángeles en sus últimos días; Benjamin se suicidó tras temer ser capturado por los nazis en la frontera de Francia con España. En el Museo Bode, “El ángel de la historia” (del 8 de mayo al 13 de julio), coloca al “Angelus Novus” junto a otros ángeles afectados por daños y desastres, incluida una reproducción de “San Mateo y el ángel” de Caravaggio de 1602, destruida en Berlín en 1945, y proyecciones de “Las alas del deseo” de Wim Wenders (1987), cuyos espíritus pensativos miran hacia abajo a la ciudad dividida.
James Turrell. Aarhus, Dinamarca
Si cree que no podrá llegar al cráter Roden de James Turrell en el desierto de Arizona durante esta vida, aún puede llegar a Aarhus, Dinamarca, a menos de tres horas de viaje en tren desde Copenhague. Allí, el artista de la tierra conocido por sus obras luminosas está presentando “The Dome, a Skyspace”, una nueva instalación permanente en el Museo ARoS que se inaugurará en algún momento de 2025.
La enorme estructura, de 15 metros de alto por 40 metros de ancho, ha estado en construcción durante más de 10 años. Cuando esté terminada, será la más ambiciosa de las “Skyspaces” de Turrell: entornos totales de estructura simple (que solo contienen asientos, iluminación y una ventana al cielo) pero sublimes en su poder de alteración de la percepción. En ARoS, los visitantes ingresarán a una enorme cúpula a través de una serie de pasillos serpenteantes que brillan con luz dorada. Al ingresar al espacio abovedado, con su óculo superior como un ojo gigante, puede pararse, sentarse o acostarse en el suelo y observar un haz de luz natural pasar por el espacio mientras las paredes cambian de tono, bañadas por luz artificial: rosa, azul, verde y blanco, cada color presentando una nueva relación con el cielo exterior. Tendrá que verlo para creerlo.
‘When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting’. Bozar, Bruselas
Poco después de su anuncio como curadora de la Bienal de Arte de Venecia 2026, Koyo Kouoh trae su exhibición “When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting” a Bozar, Bruselas (del 7 de febrero al 10 de agosto). La curadora, nacida en Camerún, y su equipo en Zeitz MoCAA, el museo de Ciudad del Cabo que dirige desde 2019, han elaborado una exposición rica y variada que incluye obras de más de 120 artistas que abordan cómo se ha representado a la gente de África y su diáspora durante el siglo pasado.
El nombre de la muestra hace referencia a la serie de Netflix de 2019 de Ava Duvernay sobre los Cinco de Central Park, un grupo de adolescentes negros y latinos acusados injustamente de violación y agresión en 1989. Pero donde el título de Duvernay decía «ellos» («When They See Us»), Kouoh lo sustituye por «nosotros», invitando al espectador a ver de esta manera también. La muestra está organizada en torno a temas que incluyen la sensualidad, la espiritualidad, la alegría, el jolgorio y la emancipación. Diferentes nombres resultarán familiares para diferentes espectadores (aprovecho cualquier oportunidad de ver el trabajo del innovador modernista sudanés Ibrahim El-Salahi), pero sin duda es la panoplia, la gran cantidad de obras reunidas, lo que más conmoverá.
Bienal de Arquitectura de Venecia. Venecia
A la hermosa pero hundida ciudad, Carlo Ratti, el curador de la 19.ª Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia, trae “intelligens” (del 10 de mayo al 23 de noviembre), una exposición que analiza cómo la arquitectura puede aprovechar la inteligencia natural, artificial y colectiva para combatir el cambio climático. “Para enfrentar un mundo en llamas, la arquitectura debe aprovechar toda la inteligencia que nos rodea”, dijo Ratti cuando fue anunciado en el cargo, y agregó que la industria de la construcción era uno de los mayores contribuyentes a las emisiones atmosféricas y necesitaba cambiar urgentemente.
¿Es demasiado tarde? ¿Podemos adaptarnos? Junto con exhibiciones que resaltarán algunas posibles soluciones, que van desde revivir las prácticas de construcción tradicionales hasta la IA, la arquitectura debe aprovechar toda la inteligencia que nos rodea. La Bienal de Arquitectura de 2025 aspira a hacer honor a su propio “manifiesto de economía circular”, reduciendo los residuos para centrarse en la sostenibilidad. La muestra de Ratti se complementará con 29 pabellones nacionales, de los cuales solo se han anunciado unos pocos, pero es seguro anticipar (o incluso esperar) que seguirán su ejemplo y mirarán hacia el futuro, sea lo que sea lo que traiga.
Cézanne. Musée Granet; Aix-en-Provence, Francia
Lo habrás visto, o algún aspecto de él, en docenas de cuadros de Paul Cézanne, lo conozcas o no: el Jas de Bouffan, una gran casa de campo y granja a las afueras de Aix-en-Provence, que el padre del artista compró en 1859. La majestuosa casa del siglo XVIII, con su fachada de color crema, contraventanas azules y techo inclinado de tejas de terracota, es donde Cézanne trabajó durante 40 años y aparece en muchos de sus cuadros, cerca, lejos, oscurecida por matorrales de árboles. A veces es una vista desde la casa, de callejones de castaños, senderos sombreados y campos dorados. Otras veces, la casa recibe a amigos para retratos, o sus jardines dan lugar a vistas imaginarias, como reuniones bucólicas de bañistas desnudos.
Este verano, en el Musée Granet, la exposición “Cézanne au Jas de Bouffan” (del 28 de junio al 12 de octubre) reunirá 100 pinturas, dibujos y acuarelas para mostrar la relación especial que el artista tenía con su casa familiar y sus alrededores en el sur de Francia. Como parte de un homenaje a Cézanne que se lleva a cabo en toda la ciudad de Aix-en-Provence, también se puede visitar la casa recientemente renovada y el último estudio del pintor, Les Lauves, donde trabajó desde 1901 hasta su muerte en 1906, y ver lo que vio Cézanne.
Fra Angelico. Palazzo Strozzi y Museo di San Marco, Florencia
Después de su muerte en 1455, llamaron al modesto artista conocido como Fra Angelico “el pintor angelical”. En las “Vidas de los artistas” de Vasari se describe a este pintor de escenas religiosas increíblemente delicadas y luminosas como “un talento raro y perfecto” que era “tan humilde y modesto en todo lo que hacía y decía, y cuyos cuadros estaban pintados con tanta facilidad y piedad”.
Como suele suceder con los artistas de principios del siglo XV en Italia, solo se conocen fragmentos de la biografía de Fra Angelico: nació Guido di Petro alrededor de 1395, se unió a la Orden de los Dominicos a una edad temprana, posiblemente se formó con un iluminador y cambió de monasterio muchas veces. Pero su producción fue prolífica y rápidamente adquirió reputación por su asombroso dominio de la perspectiva y por sus figuras etéreas delineadas con oro. “Angelico” (del 26 de septiembre al 25 de enero de 2026), una iniciativa conjunta del Palazzo Strozzi y el Museo di San Marco (que incluye un monasterio dominico aún en funcionamiento que alberga los frescos más famosos de Fra Angelico), reúne piezas del piadoso pintor que han estado dispersas durante más de 200 años.
