El arte imita a la naturaleza, pero es también frecuente el recurso del arte al propio arte. Así, la pintura ha servido de inspiración a menudo al cine. Muchos directores de fotografía, como Néstor Almendros, han aprendido a iluminar de los grandes maestros de la pintura, como Vermeer o Caravaggio, y muchos directores han creado su estética o sus historias a partir de cuadros célebres de la historia del arte. Aquí te planteamos una breve excursión por algunas de las historias del cine inspiradas en la pintura.
La lección de piano (2024) de Malcolm Washington inspirada en La lección de piano (1984) de Romare Bearden
La película La lección de piano, adaptada de la obra ganadora del premio Pulitzer de August Wilson, se inspira significativamente en la pintura La lección de piano de Romare Bearden. La obra de Bearden, de 1983, emplea un estilo similar a un collage que captura los ritmos de la vida afroamericana, infundiéndole historia, memoria y cultura. La pintura representa a una niña al piano, guiada por una figura materna aparentemente severa. Este ensamblaje visual refleja la exploración de la película de narrativas en capas, comparando las luchas actuales de los personajes con el peso ancestral de la historia de su familia, encarnada en el piano en disputa. El estilo artístico de Bearden, que combina la abstracción con la figuración, se refleja en el enfoque narrativo de la película, que entrelaza diálogos líricos e imágenes simbólicas para transmitir temas de legado e identidad a lo largo del tiempo.
Tanto La lección de piano como la pintura de Bearden se relacionan con el paso del tiempo, reflejando cómo el pasado informa el presente. En la obra de Bearden, la composición fragmentada sugiere una memoria fracturada, pero una presencia persistente. De manera similar, la película profundiza en las luchas de los personajes por reconciliar sus aspiraciones actuales con los sacrificios de sus antepasados, simbolizados por el piano intrincadamente tallado. Los ritmos estilísticos del arte de Bearden encuentran resonancia en el ritmo y la estructura de la película, a medida que los conflictos de los personajes se desarrollan de una manera que imita la naturaleza improvisada pero decidida del jazz.
Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese inspirada en Nighthawks (1942) de Edward Hopper
La icónica pintura Nighthawks de 1942 de Edward Hopper es una obra maestra dentro de la historia del arte estadounidense. Capta el profundo sentimiento de aislamiento dentro de las grandes ciudades, especialmente por la noche. Ambientada en un restaurante nocturno iluminado por el inquietante resplandor de las luces de neón, la escena retrata a unos pocos clientes y personal tranquilos, creando una sensación de soledad en medio del anonimato en expansión de la gran ciudad. La película de Scorsese se inspira en gran medida en el estado de ánimo y el lenguaje visual de Nighthawks de Hopper. Protagonizada por Robert De Niro como Travis Bickle, un veterano de la guerra de Vietnam con problemas que trabaja como taxista en la ciudad de Nueva York, la película se adentra en el lado áspero y aislado de la vida urbana mientras hace que Travis caiga en la alienación y la agitación. Scorsese canaliza el misterio nocturno y la desconexión emocional de Nighthawks para crear un ícono cinematográfico que refleja la soledad de la pintura. Así que, cuando ves Taxi Driver, no solo estás escuchando una historia; también estás viendo una dosis del arte de Hopper, que lleva esa estética distante a la pantalla grande.
Scream (1996) de Wes Craven inspirada en El grito (1893) de Edvard Munch
La película Scream de Wes Craven de 1996 se inspira tanto temática como visualmente en la icónica pintura de Edvard Munch de 1893 El grito. La pintura de Munch, con su inquietante representación de una figura en terror existencial, captura una sensación universal de pavor y ansiedad. Su fondo distorsionado y arremolinado y la expresión angustiada de la figura transmiten una sensación de miedo que se siente a la vez profundamente personal y universalmente identificable. Craven canaliza esta intensidad emocional cruda en Scream, una película que redefinió el género de terror al mezclar el humor autoconsciente con el terror genuino. Scream es más evidente en el diseño de la máscara de Ghostface. El rostro alargado y chillón de la máscara hace un guiño claro a la figura central de El grito, transformando el terror abstracto de la obra de Munch en una amenaza literal y acechante. Más allá de la máscara, la película apela a los mismos miedos primarios representados en la pintura: sentimientos de vulnerabilidad, caos y pérdida de control. Al fusionar el lenguaje visual icónico de Munch con el género slasher, Craven creó un villano inolvidable al tiempo que introducía una profundidad psicológica de nicho en un contexto de terror moderno.
Eyes Wide Shut (1999) de Stanley Kubrick inspirada en los frescos rococó de Giovanni Battista Tiepolo
Un período artístico significativo que inspiró Eyes Wide Shut (1999), dirigida por Stanley Kubrick, son los frescos rococó de Giovanni Battista Tiepolo, en particular los que presentan figuras enmascaradas y mascaradas de estilo veneciano. Si bien no se hace referencia directa a ninguna obra de Tiepolo, su mundo de escenas de mascaradas opulentas y enigmáticas se alinea con el uso que hace la película del anonimato y los rituales secretos para explorar temas del deseo, el yo y las verdades ocultas. La conexión es evidente en la famosa secuencia del baile de máscaras, que recuerda la teatralidad y la decadencia del arte de Tiepolo. Las máscaras en la película de Kubrick, que recuerdan a las de los carnavales venecianos, evocan una sensación de dualidad, muy similar a las figuras de Tiepolo que existen en un mundo de fantasía y artificio.
Joker (2019) de Todd Phillips se inspira en las obras de arte expresionistas de Egon Schiele
Schiele, conocido por sus figuras distorsionadas y angulares y sus retratos profundamente evocadores, capturó las facetas más oscuras de las emociones humanas: la soledad, la angustia y la alienación. Estos temas son centrales en Joker, donde el personaje principal, Arthur Fleck, sufre una transformación en una figura caótica y problemática, que encarna la psicología fracturada que pinta Schiele. Visualmente, Joker refleja la estética de Schiele en su énfasis en la incomodidad y en la distorsión física. La figura demacrada de Arthur, los movimientos exagerados y las posturas contorsionadas reflejan las figuras distorsionadas de las pinturas de Schiele. Del mismo modo que Schiele utilizó líneas nítidas y formas irregulares para transmitir intensidad emocional, la cinematografía de la película enfatiza la angulosidad de Arthur, capturando su descenso a la locura con una belleza inquietante. La exploración de Schiele de la vulnerabilidad y la condición humana resuena en la forma en que Joker examina el abandono social y la desesperación personal. Al evocar el estilo expresionista de Schiele, la película transforma la historia de Arthur en un retrato inquietante y visceral de desenlace psicológico.
